Papiro

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Per il terzo episodio di Papiro, abbiamo chiamato Lutj: DJ, producer e sound designer. Membro dei collettivi Nebula e Blu3sundays, da oltre quindici anni attraversa i territori della bass music con un approccio di ricerca: UK garage, 2-step, mid-tempo, influenze tribali e strutture sintetiche che si incastrano in un sound personale.

Partita dalla dubstep e dalla dub, ha trasformato il suo percorso in un'indagine sulla materia del suono e sulla sua fisicità.
Le sue performance oscillano tra dark tropical e suggestioni mediterranee, alternando vibrazioni lente e avvolgenti a ritmi sincopati. I set diventano ambienti immersivi, costruiti su texture dense e una narrazione sonora che privilegia corpo, spazio e percezione.

Ecco cosa è emerso dalla nostra conversazione:

Da amanti della musica si finisce inevitabilmente a fare due tipi di ricerca musicale: una orizzontale, attraversando generi diversi, e una verticale, scavando sempre più a fondo all’interno dei singoli generi. A volte, scavando, si nota che le sonorità che si trovano in profondità sono diverse da quelle che apparivano in superficie. Nella tua ricerca ed esperienza, quanto conta questa superficie e quanto conta la profondità? Cosa hanno in comune e cosa invece le distingue?

Ho notato in generale che la profondità è conseguente alla superficie, i vari generi nascono proprio dalle influenza che si sviluppano TRA di loro nei loro punti di contatto, nelle reciproche contaminazioni orizzontali che sono diciamo il motore principale, in musica come in altri ambiti, della produzione di novità. Troppo spesso siamo abituati ad associare il termine superficiale a qualcosa di frivolo, di poco valore di poca dedizione e questo credo dipenda dal fatto che la musica per il grande pubblico agisce a contatto con le superfici muovendosi tra i vari generi portando però un prodotto puramente incentrato al rapido consumo. Connettere le superfici però è un atto che richiede molta dedizione, occorre scivolare e farsi trasportare da questi ponti mobili che esistono tra i generi, lasciarsi prendere da una sonorità, da una texture, da un ritmo indipendentemente dal genere musicale. Per questo quando ci muoviamo nella membrana esterna di un genere musicale troviamo le sonorità più contaminate e contaminanti che spingono verso altri generi o verso quella zona di mezzo dove qualcosa di nuovo può emergere. 

E in questa zona di mezzo, come si adatta al contesto una novità appena emersa?

Una volta che emerge si doterà di un centro, un punto più stabile, che piano piano cercherà di allontanarsi dalle contaminazioni, in profondità troviamo la parte più pura ma anche quella meno dinamica, quella che più è chiusa in sé stessa e che da un lato dà un'identità mentre allo stesso tempo ingabbia ciò che passa al suo interno andando a arrestare lo slancio verso il nuovo. Entrambi i movimenti sono necessari e inevitabili ma il dentro, il profondo è sempre derivato da una superficie ripiegata, internalizzata e per questo sarà sempre un effetto secondario del contaminato leggero gioco delle superfici.

Se la profondità di un genere musicale è inevitabilmente contaminata e conseguenza dello scambio che avviene in superficie, credi che lo stesso accada per le scene e i collettivi che ruotano attorno alla musica?

Allo stesso modo trovo che i collettivi vengano percossi dagli stessi movimenti dei generi musicali, nascono dal contatto delle superfici, nascono tra le persone, tra i generi tra i mood e tra i locali: nascono nel mezzo. Eppure, nell’underground soprattutto, ho notato un’amnesia generale verso la superficie, spesso tacciata di essere "poser" o poco seria, spesso snobbata.

Guardando ai contesti che vivi oggi, cosa trovi sotto la superficie?

Molti collettivi sono fortemente identitari e radicati su pochi generi, su un preciso mood che limita la sperimentazione orizzontale e spesso limita anche la pool di opzioni dove andare a pescare. È come se l’underground per distinguersi dalla musica di massa abbia bisogno di sprofondare in sé stesso, di chiudersi. Così ogni nicchia underground risuona nella chiusura. Percepisco un generale mood scuro, serioso e purista nella maggior parte delle nicchie underground, gli scambi e i contatti di superfici vengono regolati e limitati ai soli generi che risuonano in questo mood, mentre c'è un generale snobbismo per tutto ciò che invece in totale leggerezza riesce a passare per generi completamente estranei all’ambiente underground. Noto una lotta per ricordare ogni volta la propria identità e per dimostrare di avere sempre la ricerca più profonda, più originale, più unica invece che un’alleanza per creare davvero qualcosa di nuovo pescando liberamente dalle situazioni più disparate e co-creare insieme, perché di fatto anche nella più stretta profondità, è sempre questione di contatto tra superfici, è sempre un movimento collettivo che si fa creando ponti e mai muri.

In questa era di musica consumata sempre più velocemente, polarizzata dagli algoritmi che sembrano essere progettati per massimizzare il tempo di ascolto più che per favorire una scoperta consapevole o un approfondimento musicale; quale pensi sia il ruolo di un dj? Può essere ancora una guida musicale verso nuove profondità o è diventato più interprete dei gusti del pubblico?

Penso che il ruolo del dj sia far divertire, credo che questo sia il ruolo principale e che spesso viene dimenticato. La serata divertente, dove ci si lascia andare totalmente, dove si può essere leggeri non può essere lasciata solo ai generi più commerciali o alla musica di massa. La spensierata leggerezza con cui si và a pescare da tutte le nicchie e anche dal mainstream è ciò che fa la differenza ma sembra sempre più un atteggiamento respinto dai contesti underground. Il compito del dj dal mio punto di vista è quello di recuperare questa energia creativa e portarla in una zona che non è più l’underground in senso stretto ma neanche musica senza anima volta solo al guadagno e al mercato. Creare un mood che possa far divertire sia ascoltatori più esperti e approfonditi sia ascoltatori scivolosi e superficiali che vengono da contesti molto diversi o semplicemente dal contesto commerciale dominante. Bisognerebbe reintrodurre la leggerezza, il sexy, la gioia e recuperare quell'atmosfera un po' poser da integrare con la profondità seria. Tornare alla superficie, muoversi in ogni contesto compatibile senza preoccuparsi troppo da dove venga una traccia, quanto sia conosciuta o dove potrebbe trascinarci, sia come collettivi che come artisti singoli. Recuperare tutto lo spettro emotivo dal più oscuro al più gioioso, dal più stupido al più serio. Solo così si potrà creare un mood davvero personale, unico non perché chiuso in sé stesso ma perché un’originale contaminazione di suoni, colori e sensazioni che provengono dai mondi più disparati, più distanti, alcuni quasi disabitati, riflessivi, altri invece pieni di mondanità e di vita, dalla più esotica alla più scontata. Il nostro ruolo è viaggiare tra questi mondi con la nostra navicella unica e portarli tutti alle orecchie di chi ci ascolta, sempre e solo per collegare e collegarci.

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For the third episode of Papiro, we invited Lutj: a DJ, producer, and sound designer. A member of the Nebula and Blu3sundays collectives, she has spent over fifteen years exploring the realms of bass music with an investigative approach, blending UK garage, 2-step, mid-tempo, tribal influences, and synthetic structures into a distinctive sound.

Starting out in dubstep and dub, she has evolved her artistic journey into an exploration of the substance and physicality of sound.
Her performances oscillate between dark tropical aesthetics and Mediterranean undertones, alternating between slow, enveloping vibes and syncopated rhythms. Her sets transform into immersive environments, built upon dense textures and a sonic narrative that prioritizes the body, space, and perception.

Here is what emerged from our conversation:

As music lovers, we inevitably end up pursuing two types of musical exploration: a horizontal one, traversing different genres, and a vertical one, digging ever deeper into specific genres. Sometimes, while digging, one notices that the sounds found at depth differ from those that appeared on the surface. In your own research and experience, how much do the surface and the depths each matter? What do they have in common, and what sets them apart?

I have generally observed that depth stems from the surface; various genres arise precisely from the influences that develop *between* them at their points of contact—through the mutual, horizontal cross-pollination that serves as the primary engine for innovation, in music just as in other fields. We are all too accustomed to associating the term "superficial" with something frivolous, lacking in value or dedication. I believe this stems from the fact that music aimed at the general public operates at the surface level, moving between genres yet delivering a product designed purely for rapid consumption. However, connecting surfaces is an act that demands great dedication; one must glide along and let oneself be carried by the shifting bridges that exist between genres, allowing oneself to be captivated by a sound, a texture, or a rhythm, regardless of the musical genre itself. That is why, when we navigate the outer membrane of a musical genre, we encounter the most hybridized and cross-pollinating sounds—sounds that push toward other genres or into that middle ground where something new can emerge. 

And in this middle ground, how does a newly emerged innovation adapt to the context?

Once it emerges, it acquires a center—a more stable point that gradually seeks to distance itself from external influences; deep within lies the purest yet least dynamic aspect—one that is most self-contained, providing an identity while simultaneously entrapping whatever passes through it, thereby halting the momentum toward the new. Both movements are necessary and inevitable, yet the inner realm—the depths—always derives from a surface that has folded in upon itself and become internalized; thus, it remains a secondary effect of the light, intermingling play of surfaces. 

If the depth of a musical genre is inevitably cross-pollinated by—and a consequence of—the exchange occurring at the surface, do you think the same applies to the scenes and collectives revolving around the music?

In the same way, I find that collectives are buffeted by the same currents that drive musical genres; they emerge from the contact of surfaces—born between people, genres, moods, and venues—born in the space in between. Yet, especially within the underground, I have noticed a widespread amnesia regarding the surface—a realm often dismissed as "poser" or unserious, and frequently looked down upon. 

Looking at the contexts you experience today, what do you find beneath the surface?

Many collectives are defined by a strong sense of identity and rooted in a limited range of genres—bound to a specific mood that restricts horizontal experimentation and often narrows the pool of available influences. It is as if the underground, in order to distinguish itself from mainstream music, feels the need to retreat into itself and close ranks. Consequently, every underground niche resonates within that insularity. I perceive a generally dark, earnest, and purist mood across most underground niches; exchanges and surface-level interactions are restricted to genres that align with this mood, while there is a prevailing snobbery toward anything that—with total lightness—manages to traverse genres completely alien to the underground scene. I observe a constant struggle to assert one’s identity and prove the depth, originality, and uniqueness of one’s own artistic inquiry, rather than a collaborative effort to create something truly new by freely drawing from disparate sources and co-creating; for ultimately, even in the deepest recesses, it is always a matter of contact between surfaces—a collective movement forged by building bridges rather than walls.. 

In this era of rapidly consumed music—polarized by algorithms seemingly designed to maximize listening time rather than foster mindful discovery or musical depth—what do you think is the role of a DJ? Can they still serve as a musical guide leading listeners to new depths, or have they become more of an interpreter of audience tastes?

I believe a DJ’s role is to ensure people have fun; I think this is the primary role, yet it is often forgotten. A fun night out—where one can totally let go and embrace a sense of lightness—shouldn't be the exclusive domain of commercial genres or mass-market music. That carefree spirit of drawing from both niche and mainstream sources is what makes the difference, yet it seems to be an attitude increasingly rejected by underground circles. From my perspective, the DJ’s task is to reclaim this creative energy and channel it into a space that is neither strictly "underground" nor soulless, profit-driven commercial music. It is about creating a mood that entertains both the seasoned, knowledgeable listener and the casual, superficial one—people coming from vastly different backgrounds or simply from the dominant commercial scene. We need to reintroduce lightness, sexiness, and joy, and reclaim a touch of "poseur" flair to blend with serious depth. We should return to the surface and move through any compatible context without worrying too much about a track’s origins, its level of fame, or where it might take us—whether as collectives or individual artists. We must embrace the full emotional spectrum: from the darkest to the most joyful, from the silliest to the most serious. Only then can we create a truly personal mood—unique not because it is insular, but because it represents an original fusion of sounds, colors, and sensations drawn from the most disparate and distant worlds: some quiet, reflective, and sparsely populated; others teeming with social life and vitality, ranging from the exotic to the commonplace. Our role is to travel between these worlds in our unique vessel and bring them all to our listeners' ears, always and only to connect—with the music and with each other. 

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Per questo secondo episodio di PAPIRO, con Datura abbiamo deciso di scrivere sul foglio il nome di GCAP: artista multidisciplinare attivo tra ricerca visiva e sonora, con una pratica che attraversa DJing, comunicazione e sperimentazione audiovisiva. Il suo approccio al mix è intuitivo e istintivo, guidato da un’esplorazione continua di mondi sonori emotivamente carichi. Nei suoi set techno, dub, IDM, bass, jungle, leftfield e ambient convivono senza gerarchie, combinandosi in traiettorie inattese.

Dal 2024 fa parte del collettivo Bass Unity, attratto dal loro potente soundsystem e contribuendo anche alla comunicazione visiva del gruppo. Oggi continua ad affinare una identità sonora sempre più definita, sperimentando connessioni tra generi e atmosfere per comprendere come reagiscono pubblico, spazio ed energia collettiva. Il suo obiettivo è creare esperienze che trasmettano libertà, immersione, dinamismo e apertura emotiva.

Questo è quanto detto durante la nostra conversazione:

Ascoltando il  mixato possiamo notare come il tuo modo di suonare e l’approccio alla scelta dei brani nasconda una coerenza e una consapevolezza più profonda, piena di contaminazioni e magari consolidata in anni di spasmodici ascolti in cuffia. Quali sono le tue radici? Attraverso quali generi sei passato per arrivare a questo tipo di approccio al Djing e come ti sei avvicinato alla musica elettronica?

Le mie radici musicali appartengono alla cultura a cui sono stato esposto fin dalla tenera età: dai concerti pianistici di mio zio al jazz e all'elettronica anni '90 di mio padre. Dopo un’adolescenza passata a suonare la batteria in band rock e punk, l'approccio al clubbing mi ha svelato la potenza dell'elettronica. La vera folgorazione è stata l'IDM di Aphex Twin e dell'universo Warp: lì ho capito che la musica poteva costruire atmosfere e architetture emotive prima inimmaginabili.

Già prima del DJing, ero attratto dalla dance music e dal clubbing come rito sociale e di condivisione di spazi ed energie. Il passaggio alla console è avvenuto durante il lockdown: ho iniziato mappando un controller MIDI e Traktor, senza ambizioni, ma per esplorare il mezzo, mixare tracce affini tra loro e suonare in casa per gli amici.

Sono passati diversi anni da quel preciso momento storico, la società e il settore musicale mainstream si muovono - ancor più di prima - verso un sempre più logoro culto dell'immagine e  di una liquida frenesia usa e getta che sta lentamente contaminando anche l’ambito al quale apparteniamo. Cosa ne pensi e come ti sei posizionato nel tempo rispetto a questa consapevolezza?

Nei social vedo più che altro delle maschere: creazioni personali di un immaginario a cui ambire, spesso ispirate o copiate dalle tante che circolano in rete. Non la considero una cosa negativa, ma piuttosto una tendenza da gestire consapevolmente, mostrandosi sì con dei filtri estetici ed etici, ma senza filtrare la nostra autenticità.

Dopo qualche anno di esperienza, la mia relazione con la musica è cambiata — tornando al tema del flusso frenetico e liquido — di pari passo con l'evoluzione dei modi in cui scopriamo i brani: dai servizi streaming algoritmici ai mix sempre disponibili da cui shazammare, fino alle dozzine di post di nuove release quotidiane. Mi trovo immerso in una marea di stimoli a cui è difficile stare dietro rispetto a dieci anni fa. Questa è attualmente la sfida nella mia relazione con la musica: rimanere autentico nella ricerca ed essere intenzionale nelle scelte di ascolto, per non affogare del tutto nel mare dei contenuti algoritmici.

Se spegnessimo le luci del contesto e rimanesse solo la musica? Su cosa metti più focus durante la preparazione di un set? In che modo il contesto cambia l'output finale?

Non riesco a spegnere del tutto le luci sullo spazio attorno alla musica perché, come è noto, nel vuoto non c’è propagazione del suono; posso però dimenticare il lato economico e commerciale e sforzarmi di chiudere gli occhi sulla componente estetica delle feste.

Quando prevedo un set, cerco di sintonizzarmi al contesto in cui sarà diffuso: cerco di interpretarlo in base alla mia esperienza, agli altri artisti presenti, alla tipologia di persone che prevedo verranno, oltre alla dimensione, al contesto e alla storia dello spazio. Tutto questo si unisce alla mia ricerca personale e ai miei ascolti del periodo, che riflettono sia il mio stato d'animo, sia ciò che voglio trasmettere. Questi elementi si fondono in un'ampia selezione di brani che gestisco in un'ottica di energia durante la serata. Compongo il set principalmente improvvisando, anche se spesso conosco già i brani che voglio inserire, dove e in che modo farlo per creare un'esperienza solida — salvo imprevisti. Insomma, il contesto cambia quasi totalmente l'output, ma il modo in cui lo interpreto avrà sempre la mia chiave personale.

Veniamo entrambi dallo stesso contesto di provincia e ci siamo conosciuti effettivamente quando entrambi stavamo approcciando per la prima volta il mondo della musica elettronica in maniera pratica e concreta - te con la componente visuale e il djing mentre io nella parte organizzativa e logistica degli eventi. Quali sono le tue opinioni sulla provincia da cui veniamo? Come reputi e ti districhi in questo ambiente denso di nulla ma pieno di tutto?

Vivere la musica in provincia è, da una parte, una sfida e, dall'altra, un piacere. È una sfida perché richiede la necessità di muoversi e di scoprire in autonomia (le nicchie in provincia sono "super-nicchie"); ma è un piacere perché, una volta individuati i contesti e le persone giuste, quelle nicchie smettono di essere tali e diventano una seconda famiglia.

Gli artisti noti globalmente sembrano quasi delle divinità per quanto sono rari, questo dà spazio ad artisti meno conosciuti, ma ugualmente d'ispirazione. Credo che ciò si rifletta in certi ambienti dove i gusti sono più raffinati e non ci si interessa al grande nome, ma più all'aura misteriosa e sotterranea. In questi contesti, le correnti underground si amplificano da sole se c'è partecipazione e afflusso di nuova linfa giovane. Tendenzialmente mi trovo bene nella mia bolla, finché questa non scoppia entrando in contatto con le altre.

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For this second episode of PAPIRO, with Datura, we decided to write the name GCAP on paper: a multidisciplinary artist active between visual and sonic research, with a practice that spans DJing, communication, and audiovisual experimentation. His approach to mixing is intuitive and instinctive, guided by a continuous exploration of emotionally charged sound worlds. In his sets, techno, dub, IDM, bass, jungle, leftfield, and ambient coexist without hierarchies, combining in unexpected trajectories.

Since 2024, he has been part of the Bass Unity collective, attracted by their powerful sound system and also contributing to the group's visual communication. Today, he continues to refine an increasingly defined sonic identity, experimenting with connections between genres and atmospheres to understand how audiences, spaces, and collective energy react. His goal is to create experiences that convey freedom, immersion, dynamism, and emotional openness.

This is what was said during our conversation:

Listening to the mix, we can see how your playing and approach to song selection conceal a deeper coherence and awareness, full of influences and perhaps consolidated over years of frenetic headphone listening. What are your roots? What genres did you explore to arrive at this approach to DJing, and how did you approach electronic music?

My musical roots lie in the culture I was exposed to from an early age: from my uncle's piano concerts to my father's jazz and '90s electronic music. After an adolescence spent playing drums in rock and punk bands, my approach to clubbing revealed to me the power of electronic music. The real revelation was the IDM of Aphex Twin and the Warp universe: there I understood that music could construct previously unimaginable atmospheres and emotional architectures.

Even before DJing, I was drawn to dance music and clubbing as a social ritual, a way to share space and energy. The transition to the DJ booth occurred during lockdown: I started mapping a MIDI controller and Traktor, without ambition, but to explore the medium, mix similar tracks, and play at home for friends.

Several years have passed since that precise moment in time, and society and the mainstream music industry are moving—even more than before—toward an increasingly worn-out cult of image and a liquid, disposable frenzy that is slowly contaminating even the sphere to which we belong. What do you think, and how have you positioned yourself over time with respect to this awareness?

On social media, I see more than anything masks: personal creations of an imagery to aspire to, often inspired or copied from the many circulating online. I don't consider this a negative thing, but rather a trend to be consciously managed, presenting ourselves through aesthetic and ethical filters, but without filtering our authenticity.

After a few years of experience, my relationship with music has changed—returning to the theme of frenetic, fluid flow—along with the evolution of the ways we discover songs: from algorithmic streaming services to always-available mixes for Shazam, to the dozens of posts about new releases every day. I find myself immersed in a sea of ​​stimuli that's harder to keep up with compared to ten years ago. This is currently the challenge in my relationship with music: remaining authentic in my research and being intentional in my listening choices, so as not to drown completely in a sea of ​​algorithmic content.

What if we turned off the lights and only the music remained? What do you focus on when preparing a set? How does the context change the final output?

I can't completely turn off the lights in the space around the music because, as we know, sound doesn't propagate in a vacuum; however, I can forget the economic and commercial side of things and force myself to close my eyes to the aesthetic component of parties.

When I plan a set, I try to tune into the context in which it will be performed: I try to interpret it based on my experience, the other artists present, the type of people I expect will come, as well as the size, context, and history of the space. All of this is combined with my personal research and what I've been listening to at the time, which reflect both my state of mind and what I want to convey. These elements blend into a wide selection of songs that I manage to energize throughout the evening. I compose the set primarily by improvising, although I often already know the songs I want to include, where, and how to do it to create a solid experience—barring unforeseen circumstances. In short, the context almost completely changes the output, but the way I interpret it will always have my own personal touch.

We both come from the same small-town background and actually met when we were both first approaching the world of electronic music in a practical and concrete way—you with the visual component and DJing, and I with the event organization and logistics. What are your thoughts on the small town we come from? How do you feel about it and how do you navigate this environment, dense with nothing but full of everything?

Experiencing music in the countryside is, on the one hand, a challenge and, on the other, a pleasure. It's a challenge because it requires you to move around and discover independently (the niches in the countryside are "super-niches"); but it's a pleasure because, once you've identified the right contexts and people, those niches cease to be niches and become a second family.

Globally renowned artists seem almost godlike due to their rarity, which leaves room for lesser-known but equally inspiring artists. I think this is reflected in certain environments where tastes are more refined and people aren't interested in big names, but rather in the mysterious and subterranean aura. In these contexts, underground movements amplify themselves when there's participation and an influx of new, young blood. I tend to be comfortable in my own bubble, until it bursts when I come into contact with others.

Tracklist:

1. Pendant – Sometimes I Go About Pitying Myself While I Am Carried By The Wind Across The Sky
2. Daniel[i] – Pyrrhus
3. Beatrice M./Jan Loup/Al Wootton – Shallow (Al Wootton Remix)
4. Rommek – Arkose
5. Zemog – Alai
6. Answer Code Request Amotik – LED
7. Glances – Bulwark
8. queniv – Unknown Territory
9. DJ Sprinter – Cube 11
10. Sobolik – Skip Dub
11. Pugilist – Truncated Kicks
12. Boofy – Boomer Technology
13. Aardvarck – Monkey See...
14. Notte Infinita – Screen Color Background Has Turned to AQUA
15. Vardae – Dance with the spirits
16. Slimy Ape, Dubrunner – Onstera (Dubrunner Remix)
17. Sub Basics – Quantum Zone
18. Gantz – Spry Sinister
19. Las – Tic
20. Monolake – Atlas (12γç¥ Version)
21. god69 – amulet

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BLAZIT135 nasce a Torino nel 2002, ad oggi vive a Copenaghen. Inizia ad appassionarsi alla musica all’età di 7 anni tramite la batteria ed il mondo rock/metal per poi evolvere le sue passioni nella musica Hip Hop ed elettronica. Nel 2024 si trasferisce a Napoli per conseguire il diploma come tecnico del suono all’accademia Nut Academy. Per anni ha fatto uscire musica nell’ambiente Rap come Mc partendo dalla musica Grime per poi evolvere il suo sound nella bass music (UKG, jungle) e ad oggi ricopre il suo ruolo in veste di Producer e DJ.

BLAZIT135 was born in Turin in 2002 and currently lives in Copenhagen. He began his passion for music at the age of 7, exploring drums and the world of rock/metal, before developing his passions into hip hop and electronic music. In 2024, he moved to Naples to earn a diploma as a sound engineer at the Nut Academy. For years, he has been releasing music in the rap scene as an MC, starting with grime music and then evolving his sound into bass music (UKG, jungle). He currently works as a producer and DJ.